martes, 27 de septiembre de 2011
domingo, 25 de septiembre de 2011
EL EVANGELIO DEL DIA DOMINGO
XXVI Domingo del Tiempo Ordinario A
Santo(s) del día : Santo Niño de la Guardia († 1489)
Saber más cosas a propósito de los Santos del día| Lecturas |
Leer el comentario del Evangelio por : Santa Teresa Benedicta de la Cruz
Obedientes al Padre, siguiendo al Hijo
Evangelio según San Mateo 21,28-32.
"¿Qué les parece? Un hombre tenía dos hijos y, dirigiéndose al primero, le dijo: 'Hijo, quiero que hoy vayas a trabajar a mi viña'.
El respondió: 'No quiero'. Pero después se arrepintió y fue.
Dirigiéndose al segundo, le dijo lo mismo y este le respondió: 'Voy, Señor', pero no fue.
¿Cuál de los dos cumplió la voluntad de su padre?". "El primero", le respondieron. Jesús les dijo: "Les aseguro que los publicanos y las prostitutas llegan antes que ustedes al Reino de Dios.
En efecto, Juan vino a ustedes por el camino de la justicia y no creyeron en él; en cambio, los publicanos y las prostitutas creyeron en él. Pero ustedes, ni siquiera al ver este ejemplo, se han arrepentido ni han creído en él.
VIRGEN DE LA MERCED
El significado del título "Merced" es ante todo "misericordia". La Virgen es misericordiosa y también lo deben ser sus hijos. Esto significa que recurrimos a ella ante todo con el deseo de asemejarnos a Jesús misericordioso.
El título mariano la Merced se remonta a la fundación de la Orden religiosa de los mercedarios el 10 de agosto de 1218, en Barcelona, España. En esa época muchos eran cautivos de los moros y en su
Virgen de la Merced
desesperación y abandono estaban en peligro de perder lo mas preciado: la fe católica. Nuestra bendita Madre del Cielo, dándose a conocer como La Merced, quiso manifestar su misericordia hacia ellos por medio de dicha orden dedicada a atenderlos y liberarlos.
Desde el siglo XIII es patrona de Barcelona y el 25 de septiembre de 1687 se proclamo oficialmente patrona de la ciudad. Es además patrona de los cautivos (presos) y de muchos países de Latinoamerica.
La talla de la imagen de la Merced que se venera en la basílica de la Merced de Barcelona es del siglo XIV, de estilo sedente, como las románicas. En catalán "Mare de Deu de la Mercé", Madre de Dios de la Merced.
viernes, 23 de septiembre de 2011
jueves, 22 de septiembre de 2011
martes, 20 de septiembre de 2011
lunes, 19 de septiembre de 2011
domingo, 18 de septiembre de 2011
INFORMACION
1.- LA VANGUARDIA EN EL GRABADO: EL DESARROLLO DEL MUNDO DEL GRABADO CON KLEE y PICASSO
PAUL KLEE y PICASSO en los inicios del S XX comenzaron a desarrollar de forma sorprendente grabados expresionistas.
Paul Klee investigó la técnica del grabado de 1903 a 1905. Ante la incomprensión y el rechazo del público y trás impresión de algunos aguafuertes y estampas, decide abandonar el grabado.
Sin embargo para Pablo Picasso, el grabado no era una simple técnica utilizada como divertimento sino una importantísima expresión artística al mismo nivel que la pintura.
Picasso realizó entre 1904 y 1905 su primera serie gráfica inspirado en los saltimbanquis, arlequines y domadores del circo, así como en los mendigos del barrio de Montmatre de Paris.
Trabajaba con verdadero deleite volcando todo su fuerza expresiva y dando como resultado excelentes grabados de carga expresionista. Sus grabados no fueron conocidos hasta 1913 cuando Ambroise Vollard, el importante galerista parisino, compró las planchas, imprimiendo los ejemplares.
2.- EL EXPRESIONISMO ALEMAN: DER BRÜCKE (EL PUENTE) y DER BLAUE REITER
El origen de este movimiento expresionista lo encontramos en Dresde en 1906. Los artistas de El Puente conocían y admiraban las estampas japonesas y las esculturas africanas que habían sido expuestas en el Museo de Etnografía de Dresde. Ambas formas expresivas influirían en ellos.
Eligieron el nombre "Der Brücke" porque deseban tender un puente que los vincularan a los artistas expresionistas de finales del S. XIX. Sus maestros eran por tanto Van Gogh, Toulouse Lautrec, Munch y Ensor. Desde sus inicios Der Brücke celebró numerosas exposiciones que fueron recibidas con incomprensión y rechazo.
Utilizaban colores muy fuertes. Buscaban reflejar sus angustias internas. Los bruscos trazos trataban de expresa el dramatismo de la realidad. Solían deformar y caricaturizar las figuras de los personajes que aparecían en sus cuadros.
Los artistas más destacados de este movimiento fueron: Kichner (1880-1938), August Macke, Erich Heckel, Schmidt-Rottluff y Emil Nolde (1867-1956).
KICHNER representó en sus trabajos escenas urbana asfixiantes, donde se respira una profunda soledad. Sus figuras alargadas expresan el desasosiego del hombre moderno, aprisionado por un mundo vacío y artificial.
EMIL NOLDE. Su verdadero nombe era Hansen. Tomó su nombre de su ciudad natal. Siempre estuvo muy interesado por el arte primitivo y por la obra de Gauguin y Ensor al que conoció en 1911.
DER BLAUE REITER (EL JINETE AZUL)
La segunda ola del movimiento expresionista alemán se produce en 1912 con la aparición en Munich de la revista Der Blaue Reiter dirigida por el pintor ruso Kandisky.
3.- LAS PRIMERAS VANGUARDIAS ITALIANAS
Mientras en Alemania se desarrollaba el movimiento expresionista, en Italia aparecía la escuela metafísica y el futurismo.
EL FUTURISMO entusiasmado por la velocidad de los aviones y los coches de carreras utiliza formas esquemáticas y colores muy expresivos. El nerviosismo febril de la ciudad y la embriaguez de la velocidad son los principales temas de sus obras.
LA ESCUELA METAFÍSICA de la mano de GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) prefiere al contrario que los futuristas, la calma y lo estático.
De Chirico se inspira en la serenidad de los cuadros de Piero della Francesca (1410-1492) y de Giotto (1266-1337). Plazas y calles semidesérticas, habitadas por enigmáticos maniquíes. Estos paisajes oníricos transmitían inquietud y desasosiego trasladando al espectador a un mundo silencioso aprisonado por la soledad. Los surrealistas se inspirarían en De Chirico imitando sus atmósferas oníricas.
GIORGIO MORANDI siguió los pasos de De Chirico creando sus precisas naturalezas muertas donde las luces y las sombras incidían en los objetos construyendo un ambiente irreal y metafísico.
4.- EL CUBISMO
Pablo PICASSO (1881-1973) y Georges BRAQUE (1882-1963) fueron los creadores de esta tendencia. Su búsqueda innovadora consistió en conseguir la estabilidad de las formas en contraposición a la fugacidad impresionista.
Descompusieron el espacio y los objetos, en planos geométricos. El cubismo nació como reacción contra el impresionismo pero también contra el expresionismo.
5.- EL ARTE CONSTRUCTIVO
El cubismo encontró también seguidores en la España de Entreguerras y entre los más destacados encontramos a JOAQUÍN TORRES-GARCÍA.
Torres-García, artista uruguayo, fundó junto con BENJAMÍN PALENCIA, Maruja Mallo y Luis Castellanos, el arte constructivo.
En sus composiciones Torres-García utiliza numerosas formas geométricas, muchas derivadas de objetos textiles o cerámicas pre-hispánicas. Los colores utilizados eran prácticamente primarios o con tendencia al monocromatismo.
6.- EL FAUVISMO
En 1905, en el Salón de Otoño de Paris un grupo de pintores encabezados por HENRI MATISSE expusieron su impactante obra. La crítica los tachó de excéntricos y "animales salvajes" (fauves). El uso de colores estridentes fue su gran aportación (una explosión de colores).
HENRI MATISSE (1869-1954) en sus cuadros fauvistas reduce los objetos a planos de color. Utiliza lineas muy gruesas que envuelven a las figuras.
Otros pintores que integraban el grupo fauvistas son: André Derain, Maurice Vlamink, Rouault y Braque.
7.- PICASSO
A partir de 1926, coexistieron en el arte dos tendencias: el realismo y la abstracción. Siendo los artistas abstractos más minoritarios.
Picasso con el Cubismo trató de demostrar que la representación tradicional de las formas era arbitraria. Así, reacciona contra el canon clásico de belleza griego, deformando los rasgos de sus personajes.
8.- El EXPRESIONISMO de GIACOMETTI
Giacometti fue expulsado del grupo surrealista en 1935 y excluido del grupo realista, por no representar los objetos de modo tradicional. Trás la Segunda Guerra Mundial la visión sobre los fundamentos del arte cambia radicalmente y Giacometti imprime a su obra una fuerte carga personal dentro del neoexpresionismo.
9.- SURREALISMO
En la posguerra los temas tratados en la obra de Max Ernst, Chagall. Miró, Oscar Dominguez, Kandisky resultaron una clara protesta contra el absurdo de la Primera Guerra Mundial.
Paris fue la sede del movimiento surrealista. Picasso junto con De Chirico, Klee, Miró, Dalí eran considerados grandes pintores surrealistas por André Breton. En escultura Julio Gónzalez, Jean Arp y Henry Moore fueron las referencias.
10.- El SURREALISMO ESPAÑOL
JOAN MIRO y Oscar Dominguez son dos grandes artistas españoles que tuvieron estrecho contacto con el movimiento surrealista parisino.
Miró participó en la primera exposición surrealista en Paris junto a De Chirico, Max Ernst, Jean Arp y Klee. En 1931 participó en la primera exposición importante que el surrealismo organizaba en Estados Unidos y en 1934, en Zurich.
- SALVADOR DALÍ
El gran pintor catalán empezó siendo impresionista, luego experimentó con el cubismo hasta encontrar su estilo peculiar. La generación de Dalí estuvo marcada también por la sombría pintura de Solana.
La aportación de Dalí al surrealismo es importantísma, dejando una extensa obra pictórica, gráfica y escultórica siempre controvertida.
- El SURREALISMO en MADRID
En la capital habían calado poco las vanguardias pictóricas europeas. Apenas existen galerías ni coleccionistas de arte nuevo. Antes del surrealismo fue el impresionismo el referente de los jóvenes artistas españoles. A mediados de 1920 se empieza difundir de alguna forma el Cubismo y el Futurismo.
Trás la Guerra Civil y debido al aislaccionismo sufrido las vanguardias entran con mayor lentitud que en el resto de Europa. Madrid por tanto resultaba un desierto artístico tan sólo monopolizado por los pintores académicos.
El surrealismo en Madrid se desarrolló entre 1924 y 1936 siendo los pintores más señalados:
- Benjamín Palencia (1894-1980), pintor surrealista fundador de la Escuela de Vallecas que es una reflexión sobre el desértico paisaje castellano.
- Francisco Bores
- Pancho Cossío.
EL EVANGELIO DEL DIA DOMINGO
| XXV Domingo del Tiempo Ordinario A Santo(s) del día : San José Cupertino Saber más cosas a propósito de los Santos del día
Leer el comentario del Evangelio por : San Gregorio Magno «Id también vosotros a mi viña» Evangelio según San Mateo 20,1-16a. Extraído de la Biblia, Libro del Pueblo de Dios. | |
viernes, 16 de septiembre de 2011
La resiliencia, esa capacidad que nos hace seguir adelante…
La resiliencia es la capacidad de una persona o grupo para seguir proyectándose en el futuro a pesar de acontecimientos desestabilizadores, de condiciones de vida difíciles y de traumas a veces graves. La resiliencia se sitúa en una corriente de psicología positiva y dinámica de fomento de la salud mental y parece una realidad confirmada por el testimonio de muchísimas personas que, aún habiendo vivido una situación traumática, han conseguido encajarla y seguir desenvolviéndose y viviendo, incluso, en un nivel superior, como si el trauma vivido y asumido hubiera desarrollado en ellos recursos latentes e insospechados. Aunque durante mucho tiempo las respuestas de resiliencia han sido consideradas como inusuales e incluso patológicas por los expertos, la literatura científica actual demuestra de forma contundente que la resiliencia es una respuesta común y su aparición no indica patología, sino un ajuste saludable a la adversidad.
“A pesar de traumas graves, incluso muy graves, o de desgracias más comunes, la resiliencia parece una realidad confirmada por muchísimas trayectorias existenciales e historias de vida exitosas. De hecho, por nuestros encuentros, contactos profesionales y lecturas, todos conocemos niños, adolescentes, familias y comunidades que “encajan” shocks, pruebas y rupturas, y las superan y siguen desenvolviéndose y viviendo -a menudo a un nivel superior- como si el trauma sufrido y asumido hubiera desarrollado en ellos, a veces revelado incluso, recursos latentes y aun insospechados”.
(Michel Manciaux. La resiliencia: ¿mito o realidad)
PERSONALIDAD RESISTENTE (HARDINESS)
jueves, 15 de septiembre de 2011
lunes, 12 de septiembre de 2011
INFORMACION
El significado que encierra el ARTE AFRICANO es diverso:
* Entretener, amedrentar, aumentar la fertilidad...
Una máscara que representa un dios, un esclavo, un hechicero, la cabeza de un animal, una escultura de una figura humana...
Por ejemplo es importante reconocer la relación entre una máscara y la identidad de quienes la llevan o la sociedad a la que pertenecen, así como con las actividades económicas o de hechicería o creencias religiosas y rituales.
A continuación les presentamos una breve introducción al ARTE AFRICANO.
APUNTES INTRODUCTORIOS sobre el ARTE AFRICANO:
1.- Pinturas en piedra
2.- Escultura del Arte Clásico africano: Esculturas de Nok, Ife, Benin
3.- El arte africano reflejo de la vida social y de la naturaleza
4.- Esculturas en madera
5.- El arte Bambara
6.- El Arte de Kuba-Bushong
7.- Las máscaras de las Sociedades Secretas
8.- El Arte religioso
9.- Fetiches. El arte de la brujería
10.- El eterno femenino
11.- El arte por el amor al arte: Estética y teatralidad
1.- Pinturas primitivas trabajadas en las rocas fueron descubiertas en la meseta de Tassili en el desierto del Sahara, zona en la actualidad, habitada tan sólo por un pequeño grupo de pastores tuaregs. Hace miles de años, cuando las pinturas fueron dibujadas, el territorio era un bosque tupido cruzado por varios ríos.
Las pinturas del Sahara representan cazadores y pastores de las tribus nómadas que habitaban la zona. Podemos encontrar dibujos en la roca de elefantes, leones, antílopes, bóvidos, avestruces, gacelas y seres humanos armados de arcos y flechas.
* La Meseta de Tassili es un área montañosa en pleno desierto del Sahara, en el sudeste argelino. Gran parte de Tassili está protegida, tanto por su interés natural de los bosques de cipreses en el desierto, como por el arqueológico, estando catalogada como Parque Nacional, Reserva de la Biosfera y Bien Natural y Cultural del Patrimonio Mundial de la Humanidad.
2.- Las figuras en terracota de "Nok" son una muestra del arte clásico tradicional africano. Numerosas esculturas de figuras humanas y de animales fueron descubiertas a lo largo del norte de Nigeria. Las primeras esculturas fureon descubiertas cerca del pueblo Nok, en la provincia de Zaria y han sido fechadas alrededor del siglo IV o V a.C.
Las figuras humanas del estilo "Nok" se caracterizan por sus cabezas esféricas o cónicas, sus ojos representados por segmentos de una esfera con los párpados inferior y superior muy marcados. Estas esculturas "Nok" tienen muchos rasgos en común con las esculturas de "Ife", la antigua capital religiosa del pueblo Yoruba.
El arte escultórico en Ife tienen un periodo de esplendor entre los siglos X al XIV d.C.
Por otra parte es necesario mencionar las esculturas en bronce de Benin desde los siglos XII al XIX. Los tesoros del rey Oba en Benin fueron descubiertos por el ejército británico durante una expedición militar. La colección de impresionantes cabezas en bronce de Oba están consideradas como uno de los grandes tesoros del arte africano.
Cuando un rey de Benin moría, la cabeza de su sucesor era reproducida inmediatamente en una pieza de bronce. Ciento sesenta de estas piezas sobrevivieron, siendo la más antigua del siglo XII y la última del siglo XIX.
3.- El arte africano siempre se encuentra intímamente integrado en la vida social y religiosa.
El estilo y simbolismo de las pinturas, figuras y máscaras dependen del contexto social, cultural y religioso de la región. Los mitos, los rituales y las ceremonias se reflejan en las diferentes manifestaciones artísticas.
El arte también refleja las dificultades de sus formas de vida, las distintas actividades que desarrollan para su subsistencia. Pescadores, pastores y cazadores que dependen de los elementos naturales para vivir. Los espíritus del agua, el viento, de la lluvia. La esencia de los espíritus está inmersa en las máscaras, bastones, tocados y esculturas.
4.- Esculturas de madera: Los pintores Vlaminck, Picasso, Derain, Matisse, Gris se vieron atraídos por el arte africano. Las cualidades expresivas y abstractas de las tallas y de las máscaras fueron objeto de estudio y admiración por los artistas europeos. Piezas provinientes de las antiguas colonias, Sudan, Congo... pudieron ser contempladas por primera vez en París.
La pureza de las formas y el misterio que encierran las esculturas africanas, así como su significado funcional y simbólico hacen de esta parcela del arte africano una de las más atractiva y fascinante.
5.- El arte Bambara: La mayoría de los pueblos africanos se dedican al pastoreo o a la agricultura. El pueblo bambara se dedica al cultivo de sus cosechas de grano. Sus manifestaciones artísticas están estrechamente ligadas al medio de existencia.
Sus más importantes muestras escultóricas representan máscaras y figuras esculpidas para asegurar la fertilidad de sus campos y el cuidado de sus cultivos. Los Bambara, son un grupo Mandinka de más de un millón de personas que habitan en Mali y que se han convertido en excelentes y reconocidos artistas en el arte del metal, el cuero, los tintes, el tapizado, los objetos en esparto y sobre todo en los trabajos esculpidos en madera.
Las máscaras Bambara están asociadas con 4 asociaciones de culto mayor: N´domo, komo, kove y try wara. Estas sociedades sacan sus máscaras durante las estaciones húmeda y seca, para rogar a los dioses y ayudar en la siembra y recolección de las cosechas bambara, el mijo y las celebraciones relacionadas con la lluvia. Cada sociedad tiene un tipo de máscara diferente cargados de simbolismos y asociados a distintos rituales.
6.- El arte Kuba-Bushong: Una de las más ricas zonas artísticas en África se encuentra en la cuenca Kwango, Kasai, Katanga y el Noroeste de Angola. Esta zona intermedia entre selva y sabana está ocupada por agricultores y granjeros cuyos antepasados eran los habitantes de los antiguos y poderosos reinos africanos de Luba, Tshokwe, Lunda y Kuba, donde los artistas estaban en estrecha relación con la Corte y los cultos reales.
El arte del reino de Luba se caracteriza por la elaboración de estatuas de reyes y reinas, reposacabezas, taburetes decorados con cariátides, cetros, mazas ceremoniales creados para reflejar el poder y la gloria de los gobernantes. Kuba, el grupo Bushong dominante fue un arte refinado y aristocrático cuyo influjo se traslado a toda la vida social del reino reflejandose en la decoración de los edificios, los trabajos de metal y cestería, asi como en las labores textiles.
7.- Sociedades secretas y sus máscaras: En África, la fabricación de los objetos más bellos e importantes son encargados por las familias o grupos de más alto linaje, reyes o sociedades de personas importantes de la tribu con funciones político-religiosas que gobiernan el grupo. Los miembros de estos grupos de élite requieren una serie de cualidades: edad avanzada, ciertas habilidades, estatus elevado o ciertas parafernalias sagrada.
Quizás la "sociedad secreta" con mayor prestigio en África sea la "poro", cuyos miembros se concentran en su mayor parte en la zona de Liberia y el Sur de Sierra Leona. Aunque también se extiende por Guinea y Costa de Marfil. Estrechamente conectada a la sociedad "poro " están las asociaciones de mujeres "sande" y "bundu". Ambas sociedades, masculinas y femeninas utilizan varios tipos de máscaras en sus diferentes rituales de iniciación y en representación de los espíritus de la naturaleza aliados asociados a cada país o territorio.
8.- El arte religioso africano: Los miembros del pueblo Yoruba son los más prolíficos escultores y tallistas de Africa. La mayor parte de su arte está concentrado en las piezas de culto religioso: los diversos "orishas" y demás dioses. Los numeros rituales de mascaradas y demás rituales hacen uso de múltiples máscaras y figuras esculpidas para representar las ceremonias.
El arte dogon es claramente religioso en su contenidos y temas tratados: sus antepasados, los seres primigenios míticos, el herrero , el jinete con su arco poseedor de habilidades y artificios y los animales míticos. Su sorprendente conocimiento del sistema cosmológico también está reflejado en sus obras.
La Gran Máscara Dogon representa el significado del mito de la creación según la tradición dogon.
Entre la tribu Dogon en Mali existe un número de viejas y famosas esculturas, conocidas como "tellem" de las que apenas se tiene datos de su origen y de lo que representan.
Las figuras "tellem" suelen presentarse con los brazos levantados y son en su gran mayoría femeninas o hermafroditas. También se pueden encontrar animales y figuras antropomórficas.
Estos objetos se conocen con el nombre de "fetiches" (amuletos). La escultura u objeto de arte suele ir acompañada por materiales diversos: cangrejos, huesos de animales y cuernos, dientes, plumas, partes de aves, telas, botones y trozos de metales. Este comglomerado de objetos extraños tiene un importante valor simbólico para sus propietarios y según su creencia, influyen en su destino.
10.- El eterno femenino: Las mujeres desempeñan un papel fundamental en el arte de la cerámica, de tejer y teñir telas con vivos e intensos colores. La mujer es uno de los temás clave dentro del arte africano: las representaciones de la fertilidad de la mujer, las reinas, las esculturas de madre con niño etc...
Maternidad y fecundidad son los dos pilares básicos de figuras y máscaras.
11.- El arte por amor al arte: El arte puramente estético y teatral. El arte africano es multi-funcional y comprende numerosas facetas de la vida: el gobierno, la religión, la economía y también el entretenimiento. Las celebraciones de ceremonias y rituales con bailes y máscaras tan enraizadas en la cultura africana tienen una doble vertiente: sacro-religiosa y de creencias y otra estética y teatral.